立志當個電影狂 / 影評 - 亞洲片

周星馳有好幾年沒有新片，但今次推出《長江七號》可說是劣評如潮，還有人跟我說，如果在戲院看你是會悶得睡著的。
不過，我還是到了戲院看，看後想了很久，究竟《長江七號》有沒有半點可取之處？又的確無論劇情，深度，演技，我實在找不到有半點能好評的。但我認為其亦不致於是劣作，至少很多情節是有心思的，周星馳是想改變以往要令觀眾捧腹大笑的想法，而去忖思能令觀眾會心徹笑的情節，就是說減少了一些突如其來的的 Suprise來引人發笑，反而是要令觀眾通過了簡單的推理或意會而破顏微笑。誠然，我感覺到周星馳有此一改變，而這種模式的電影並不是他所擅長的，但他所一貫行使的搞笑模式皆是局限於地域性，即是香港人可以看得明白，但到了大陸又稍稍遜色，到了外國又是再遜色幾成了，電影要做到全球性，賺最多的錢而支持昂貴的制作成本，不改變是不成的。

http://iblacksnow.com/2008/02/11/517/

幾年前看《太行山上》，感動得眼淚直流，今天抱著同樣的期待看《集結號》，偏偏就是感動不了。

大陸的戰爭片出了名政治正確，紅軍一定是英勇善戰，國民黨一定是臉目可憎，《太行山上》肯描寫國民黨軍長郝夢齡的愛國，算是邁出一大步。《集結號》雖然沒有類似表現，但她片頭一場射殺國民黨降兵的戲，也夠發人深省──抗日時早已死了幾千萬國民，內戰時共黨又幾十萬、幾十萬地「殲滅」「敵軍」，都是黃皮膚黑頭髮的中國人呀。想到這點，如何也感動不了。

第二點。話說戰爭結束後，主角老谷死活也要為戰友「正名」，好讓他們官方紀錄的下場由「失蹤」改為「壯烈犧牲」，到最後他得償所願，大團圓結局。我的問題是，難道當個烈士就會死得很有意義？

老谷為了黨死心塌地，不過，假如他知道這個黨掌權後，會叫人民胡里胡塗跑去朝鮮送死，會荒唐地搞大躍進、文革，他還會覺得為這個黨去當烈士很爽嗎？老谷不知道將來事，這不能怪他，只能怪馮大導了。

《集結號》本質上和《太行山上》一樣，卻少了同仇敵愾的民族主義，那唯一的賣點，就只剩下政治正確的message了，那叫人如何感動？

此文於http://www.heyfish.net/blog 發放

同樣是王天林作為導演，於上月24日一連欣賞了兩齣：《野玫瑰之戀》和《桃花江》。當中的《桃花江》使我的印象十分深刻，亦明白王天林之所以為「大娛樂家」。

《野玫瑰之戀》是一齣悲劇，一個自認是「男人不過是一種普通的玩意」，自信、妖野、先一個飛一個的「野玫瑰」，戀上了用情專一，自悲心重的鋼琴教師，自然是悲劇的材料，透過生離生別，人生高低，交織了一場痛苦的愛，劇力萬鈞，最後的畫面就是女角耳後一朵玫瑰的大特寫，頗有悲劇之感。隔了一會，繼續看一套由「小野貓」鍾情演的《桃花江》，戲裡的主角同樣是「野」，但卻是平舖直敍，雖然有打仗，有走難，有錯遇，但是著墨處不同，大團圓結局，看完就是有說不盡的舒泰是也。

《桃花江》的故事簡單，就是歌喉一流的鄉下妹金麗蓉(鍾情飾)被大老闆黎明(羅維飾)賞識，經歷了走難，重遇，最後終於成了大名星，更與老闆同台演出，有情人終成眷屬。此戲的賣點是片中18首的歌曲，耳熟能詳(只限某個年紀，我是一首也未聽過)，全部由當時幕後代唱人「銀嗓子」姚莉唱出(金嗓子為周璇)，當中有不少的的由他哥哥姚敏所作，以「歌」來貫串整套戲，更有云此片開創了歌唱片的潮流。

然而，自以為看過不少戲，猜對過不少電視肥皂劇的劇情，卻對劇情感到無所適從，就是不跟常規，尤其是看完《野玫瑰之戀》後，所有認為是必然發展的，卻完全不是這樣子，看畢後不禁莞爾：

1. 本以為鍾情一定跟羅維暗生情愫，卻由此至終是老闆和下屬。片中羅維是香港搞Performing Art(現代術語來說)，來到鄉間發現了鍾情的唱得一嘴好歌(其實是姚莉 )，當中一段的相遇也十分「浪漫」，就是羅維問鍾情可否為她拍一張照；來到鄉村後，才知道鍾情因喜歡唱歌，渾號「小野貓」(老實說，從前想歪了，小野貓=唱好歌)，更在夜晚在她的窗前唱歌，最後引貓出洞成功，合唱一首歌詞也十分有示愛意味的《月下對口》。誰不知，原來一切也是一廂情願(也多得《野玫瑰之戀》)，羅維跟張翠英；鍾情跟陳厚，竟然是無風無浪的兩對人，由始至終，不知道是我想多了還是導演的幽默。

2. 以為方菲菲一定會呷醋，故意阻難。方菲菲(張翠英飾)就是戲中羅維的未婚妻，話說鍾情落難，寄居於馬笑儂飾演的窮苦人家當酒店洗衣工(最好笑的是無端端認了她做媽，後來又說是契媽)，又一個小出奇的是：馬笑儂對鍾情又真的不錯，原先以為她會來一個經典粵語片的「死妹釘」式的虐待，卻又不是，待她這「自來女」如親女一樣。有一次，當她在酒店中聽回自己鄉間的《月下對口》，最後更在夜總會(?)見張翠英一面，原本又以為這張翠英一定會出於嫉妒，不會讓她跟羅維相見，誰不知，又錯!她還十分大方地希望鍾情加盟，一同唱歌。奇哉!

3. 以為鍾情是一個鄉下妹，出到五光十色的世界一定被金錢迷惑。鍾情是一個未見過影相機和錄音機的鄉下妹，況且一經走難，又一番擦鞋的艱苦歲月，粵語片的公式是看見五光十色的社會，一定會迷失了本性，任意揮霍，誰不知，又錯! 全片也看不出她被金錢世界迷惑，平常心面對。試問誰又能做到呢?

4. 結局完場。最後，一場表演完畢，全場觀眾報以熱烈的掌聲，沒有呷醋的張翠英趕忙告訴鍾情演出順利，大家正在開心之際，原來張翠英跟羅維結婚了，最搞笑的是無端端來了一個陳厚，鍾情才說這個「派報男」原來是自己鄉里之餘，更是自己的訂下婚約的男人，不出幾個鏡頭，便說將會結婚了，好!大團圓，其實大可以播一個「完」字，但估不到的是羅維說，今天請他們看戲，(又是一個笑位，演出成功請看戲??)，看什麼戲? 原來是看《桃花江》，這一個結局總給我好笑的感覺，不得不佩服導演的幽默感，《桃花江》的結局就是開始入場看《桃花江》，場中也有不少人會心微笑的。

5. 沒有明星。自問看粵語片不太多，但是名星倒認得幾個，女名星尤敏、葛蘭、林翠，就是不太認識鍾情，但就是看不上眼這一個肥仔，橫看直看也不像明星，看完後更覺：他不懂演戲，只有一個傻樣。原來又錯，多多得罪，原來他是名導演羅維(還說人家不懂演戲)，是李小龍演的《唐山大兄》和《精武門》的導演，真的得罪；那一個張翠英，人美身材好，就是生面口，還以為是半紅不黑的小明星，又錯!原來她是大導演李翰祥的妻子；最後，原來馬笑儂的兒子，藝名嚴昌，生得矮小，一出場就是給人欺負，原來竟是大隻佬老戲骨秦沛，你話死未?

還有，值得一提的是，《桃花江》表現了一些現代主義：

1. 對高科技的鍾愛。看來全片頭份的笑位在於鍾情一村人也不懂「高科技」，片中把香港這一個地方描寫成繁榮的、高科技的，凸顯出鍾情所住的村落是與世無爭的，落後的，這一個反差其實正正切合當時香港人在當時剛剛經濟起飛時心態：我就是比你富有，看來導演應該想用這一個來做笑位，可以反證出香港人當時這一方面的心態。

2. 對資本主義的嚮往。上文談過這戲沒有對資本主義的說教，不會因為到了大城市便迷失了本性，當中對資本主義的采用是嚮往的態度，從村民對那部高科技錄音機的反應、去到香港後鍾情對收音機的好奇、在馬笑儂家裡對著酒店的衣服的小心處理和嚮往心情，她還叮囑鍾情不要弄污那襲裙，和最後那個酒店看更對於身穿洋服的鍾情和擦鞋look的她判若兩人的表現，均能看出當時社會上對資本主義的認同。

最後，《月下對口》歌詞的轉變也是別出心裁，陳蝶衣遣詞功力深厚，在網絡上找了很久，加上自己少少補漏，才找回兩套不同的歌詞：

第一版本的鍾情還是村姑，是羅維在她村屋的窗外唱的：

男：天上的明月光呀，照在那窗兒外，
為什麼窗不開，我在窗外獨徘徊，
我對了窗兒問呀，莫不是人已睡，
要不是為了她已睡，為什麼窗不開，
為什麼窗不開，我在窗外費疑猜，
除非是為了她已睡，所以窗不開。

女：天上的明月光呀，照在那窗兒外，
　　你不要費疑猜，窗裡人也沒有睡，
　　我不是睡不著呀，只因為你要來，
　　守在那窗外靜等待，所以窗不開，
　　你不要費疑猜，窗裡人也沒有睡，
　　守在那窗外靜等待，明白不明白。

男：你生來好風采呀，像仙女下凡來，
　　人嬌美歌輕脆，彷彿鶯聲傳花外，
　　我聽了你歌唱呀，心花兒朵朵開，
　　只希望和你長相偎，永遠不分開，
　　你唱歌，我跟隨，一聽聽了千百回，
　　只希望和你長相偎，永遠不分開。

女：我是個農家女呀，缺少那好風采，
　　你讚美我慚愧，烏鴉難與鳳凰配，
　　我只好鄉村待呀，永遠不離開，
　　自己種花兒自己愛，等著那花兒開，
　　等花開，把花採，自己採了自己戴，
　　只能夠常在鄉村待，永遠不離開。

第二個版本是登台用，二人穿上洋裝，佈景是兩層高的住宅，明顯地資本化。

男：天上的明月光呀，照在那樓臺外，
為什麼燈不開，我在樓下獨徘徊，
我對著那樓臺問呀，莫非呀人已睡？
要不是因為人已睡，為什麼燈不開？
為什麼燈不開，我在樓下費疑猜，
除非是忘了有約會，所以燈不開。

女：天上的明月光呀，照在那樓臺外，
你不要多疑猜，樓上人也沒有睡，
我不是睡不著呀，只因為有約會。
知道今宵你要來，我早已下樓臺。
為什麼燈不開，因為今宵有約會，
樓上的人已下樓臺，所以燈不開。

男：你生來好風采呀，象仙女下凡來，
人嬌美，歌甜美，仿佛笙歌天上吹，
我聽了你歌唱呀，心裡就淘醉。
但願和你常相會，永遠分不開。
你唱歌我奉陪，一天聽個千百回，
我願和你常相會，永遠分不開。

女：我是那傻女孩呀，缺少那好風采，
你讚美，我慚愧，烏鴉難與鳳凰配，
我不敢談情愛呀，只怕那煩惱來。
天上的明月有靈慧，聚散有緣會。
桃花紅，李花白，眼前只見百花開，
明朝難免風雨吹，好景不常在。永遠分不開。

要比較的話，《野玫瑰之戀》是導演技巧高，故事戲味濃的作品，相反《桃花江》則是一套平實簡單。

《紅氣球之旅》是今年法國電影節其中一部注目的電影，被吸引進場不是因為侯孝賢，而是因為經典電影《紅氣球》(“Le Ballon Rouge” )。

從電影的名字而知道本片是是向法國導演拉摩里斯一九五六年作品《紅氣球》致敬，《紅氣球》是一部充滿童趣和想像豐富的短片，描寫小男孩與紅氣球之間的友情。有興趣可重温此經典電影的話，可按以下youtube(全片分了四段)的連結。
http://www.youtube.com/v/SGgX212Pn7A&rel=1

侯孝賢除了以片名向《紅氣球》致敬外，在片中也有其他「紅氣球」的片段──模擬《紅氣球》風格拍的片段更是仿真度十足。《紅氣球之旅》一開始便帶出了兩個時代的孩子的不同：《紅氣球》中的小孩是爬上燈柱頂拍紅氣球「救」下來，在街上拖着紅氣球不僅引來成人的注目，更因此不能乘搭巴士，小孩只好走回家。而到了《紅氣球之旅》男孩Simon是叫紅氣球下來跟他走，紅氣球躲在樹梢裏，Simon便說它不跟他走是它的損失，自己走到地鐵站去。電影中還顯示了當代小孩生活周遭有着多樣玩具──Simon多次在電影中玩play station、打波子機，已不特別鍾愛氣球。

電影以男孩Simon的生活為中心，和她的母親茱麗葉畢諾許飾演繁忙的單親職業婦女Suzanne的生活貫穿全片。茱麗葉畢諾許在本片頂著一頭金髮，扮演偶劇藝人，有許多精彩的聲音表演。侯孝賢另外在片中安排一名中國演員宋方，在戲中扮演照顧Simon的電影系大學生。戲中宋方和真實生活一樣學拍電影，她在片中以老電影《紅氣球》做啟發，正拍攝一部與紅氣球有關的影片。

《紅氣球之旅》結尾一段蔡琴《被遺忘的時光》的法語版，總結了本片遺忘、錯過的主題。這首「法語版」由法國年輕女歌手卡蜜兒重新編曲、填上法語歌詞，曲名為《親親》──想聽聽法語版的「是誰敲打我的窗」，可以按以下youtube的連結，是《紅氣球之旅》的trailer。
http://www.youtube.com/v/hXcL4L6Nubo&rel=1

結尾的一段「紅氣球」，正帶出本片以「紅氣球」代表了那些被遺忘、錯過的事情，珍惜靈光一閃的相遇。就好像男孩Simon多次錯失了再遇紅氣球──地鐵車廂上、家裏的窗外、睡房的天窗外……最後Simon在博物館聽老師講解一幅繪有紅氣球的圖畫深意，卻發覺曾經相似的紅氣球在屋頂溜過。

《紅氣球之旅》是巴黎國立奧賽美術館慶祝二十週年時，提出的一系列影片計畫的第一部。此計畫邀請全世界導演來認識奧賽美術館，讓美術館出現在影片中，至於呈現方式則讓導演自行決定，Simon在博物館的一幕就是奧賽美術館的呈現。

不想被遺忘的除了「紅氣球」外，還有布袋戲。侯孝賢曾拍攝偶劇，在本片中特意安插Suzanne是偶劇藝人，在片中偶劇場邀請一名偶戲師傅來法示範演出的台灣傳統布袋戲。出字幕時一段Suzanne中法交融，以中國傳統故事和造型的偶劇表演，更有點夫子自道的意味。另外，電影系學生宋芳的角色，不能不說是侯孝賢的另一個自我投射──宋所拍的紅氣球是用「綠色」的人提出的，後期數碼製作把人抹走，這也是「另一種型式」的致敬吧。

神游信仰的道路——看[吴清源]及一些评论后的感想

不论是在上海国际电影节上的记者，还是网上下载来看的影迷，对《吴清源》的责难都大于称赞。大略是说这部电影又陷入了国内很多电影故事简单，编剧单薄，沉闷无聊的问题上。而且轻描淡写一个生平丰富曲折的老人，让人觉得这是浪费题材。这些评论让人感觉，陈凯歌和张艺谋“不会”拍电影之后，田壮壮也不会拍电影了。
陈凯歌张艺谋是在不同的电影环境转变中，试图改变自己的拍摄方向，他们开始为扩大票房做努力，于是丢掉自己坚持的一些东西，其实对于中国电影这些很可贵。而田壮壮一直隐于学院里教书，没有搅和这趟浑水。他拍他的《德拉姆》，翻拍费穆的《小城之春》，直到这部从开拍到后期到上映一直不顺利的《吴清源》，他还是一直在坚持用电影拍自己心里的东西。在现在这个“市场”里，这是很难的一件事情。这几天看姜文的一个采访，发现真正天才的人，心里有些东西其实是相通的。姜文的《太阳再次升起》，也不会是一个讨好的，让人趋之若鹜的片子，很可能是和《吴清源》一样要受人责难的。姜文在采访中说，“我觉得电影就是对自己内心的一种表达，现在许多人心中没什么要表达的东西，也去拍电影，就是整些花哨的服装，布景什么的，这应该算是骗观众的钱。”田壮壮也是心里有东西的人。

吴清源是下围棋的，但《吴清源》并非关于下围棋。影片关于吴清源，但并非要关于他一生经历与传奇。很多人用吴清源的自传《中的精神》里丰富的细节来举例说明田壮壮如何的将这部电影的题材糟蹋了，但实际上田壮壮从一开始就从极高的境地看吴清源，他给这本书写的文字是：“先生老在讲‘求道’。他本身是个下棋的人，但毕生在棋道之外求的是人的精神之道。”
所以，田壮壮压根没打算拍传奇，拍故事。他要拍的是精神。这是田壮壮觉得有趣的，值得他精雕细琢的东西，田壮壮通过探究吴清源先生的内心，得到深深共鸣，并且敬仰之，进而要展示。这和他上一部《小城之春》，拍的也是人心和情绪，有些相似，而这样的电影，终究是不会被大多数人接受的。
影片里在吴清源从玺宇教退出后，“一生寻求的真理已无法在玺宇获得，所幸，一直怀着信仰的心，在棋的世界，即使在最动荡的岁月，也保持不败。”在哪里找到信仰，是电影推进的目标，可以是红万字或者玺宇教；而一直怀着寻求信仰的心灵，是这部影片有生命力的源泉。当信仰的路途中受挫，人会尝到极大的痛苦。在战争中，吴清源的家被炸得四分五裂，他只是摆弄了一下电灯泡，就坐在废墟上发呆了，这并不能触动他的神经。但是，在觉得玺宇教主所宣扬的道与自己信奉的真理背道而驰的时候，他退出，妻子不久也给他去信决定脱离玺宇，他在巴士上拆信阅后，立即跳下车，蹲在地上，恸哭不已。倚靠了许久的信仰完全崩塌，才能让他感觉到真正的痛苦。
所以，《吴清源》的线索很清晰，即吴先生寻求他可以寄托心灵的信仰的过程。而拍一个心灵追寻信仰的模样，如果拍得十分具体，事无巨细，心灵和信仰一定淹没在传奇故事里。

对于围棋界的一尊神来说，围棋在电影中当然重要，但并非最重要，否则吴清源不会为了宗教，几年间完全放弃围棋。田壮壮的话是，“我的影片无意阐述围棋究竟是什么样子，而是刻画特定历史条件下的某个人。”吴清源下围棋的境界，其实在十番赛中对手流血晕倒而他仍沉思于棋局的情节，已经足够说明，吴清源境界高，不仅仅在于他在那一刻沉静在棋的世界里，毫不在意对手的情况。其实对手的境界也很高，他并不比吴清源少那份痴迷，因为即使流鼻血，头晕无力，还是挣扎着起来，跌跌撞撞到棋枰边，去看吴清源如何思考下一步。一个人在世界上做事情，他的努力和修行，最终都是要将自己代入一个境界。碌碌无为就进入平庸的境界，激勇奋进也许达到昂扬的境界；从这部安静的电影里看，吴清源下棋，达到一种静的，平衡的境界。为了达到这个效果，摄影极稳定，构图规整，即便是在广岛投弹时那帮棋手继续下棋的情景，周遭都被炸得乱作一团，只棋枰和人还定在画中央；张震的表演，也安静，尽力造出木讷甚至呆滞的感觉。

有人评论说田壮壮这部电影跑题，甚至“跑题甚远”，完全没道理。《吴清源》这个题目，可以是那些个人和宏大历史产生交集的地方，可以是儿时在段祺瑞府上下棋的神童经历，或者是到伪满洲国和溥仪下棋的逸事，但这些并不是田壮壮所乐意展示的吴清源，也无益于田壮壮所要表达的主题。吴清源和川端康成作朋友的详细情形本也可以好好描述，两位大师的交际细节该是多有意思。但影片只拍吴清源和川端在草地里闲坐聊天，风景极美，影调清淡，川端赞吴清源思乡的文章写得好，君子之交的感觉有了，吴清源对祖国、中日交战的矛盾与纠结，也就淡而笃定地表达出来了。
你说田壮壮不懂拍电影了么？他简直太懂如何只用一两个镜头来勾勒丰富的情绪了。

（评分：7.5/10）

影片资料：

[吴清源]The Go Master(2006)

导演：田壮壮
编剧：阿城、邹静之
演员：张震、张艾嘉、松坂庆子、伊藤步、黄奕、香川照之、李雪健、辛柏青
影片类型：剧情/传记 国家/地区：中国/日本

说了这么多，觉得自己笨口笨舌还是说不清楚。还是看看雪风的文字吧，他总是能够看得很透彻，很确凿，很到位。

“这个月真正让人感到与这个世界格格不入的是《吴清源》。它一点也不商业，甚至是刻意地摒弃了一切可以趋近商业的东西。它把本可大肆渲染的时代背景完全隐到幕后，吴清源近乎传奇的故事它似乎也没有兴趣去复述，它更像一幅水墨画，寥寥几笔，给你的极少，需要你用心去寻找的更多。它最大的问题是，它太静了，在核心价值观上，更是与这个世界背道而驰，现实怂恿着我们去征服世界，而田壮壮却如此肃穆地赞颂一个人如何艰辛地回到自己的内心。田壮壮的隐士情怀在这个喧嚣的现实世界显得突兀，突兀的有些悲壮。
但幸好，对于某些异数来说，现实给他多少冷遇，历史就还给他多少荣誉。”
——雪风 （摘自2007年八月号《午夜场》卷首语）

[C+侦探]——侦探C+，电影也C+

（评分：6.5/10）

知道这是彭氏兄弟的片子后，本应该做好其中会有恐怖成分的心理准备，但还是被《侦探》的片名迷惑，以为这只是一部悬疑片。结果在电影院里加上音量毫无控制的音效设备，还是被那些恐怖元素吓到。
电影一开头的影调就透出一丝不祥的感觉，这是一种过分偏离正常色彩的色调。到处显出一副光线不足的样子，此外还透着一股发霉的味道，故事发生的泰国唐人街就像是被下水道的污水浸泡过一样。郭富城饰演的落魄私家侦探阿探，住的房子肮脏不堪，门口是一条小弄，阿探每天早上会被一个穿的破破烂烂的神经病的一声怪叫吵醒，起床后会到水池边刷牙，而水池旁堆满了垃圾杂物。这种脏乱的调子出现在每个被调查者住的屋子、泰国的街道、路边小吃店、垃圾场，一直维持到影片的最后。场景的画面就像是那些喜欢专门关注城市最底层的摄影师拍出来的照片，总是展示城市最不堪入目的地方。而这些地方，正好是制造恐怖的好场所。
于是，在影片开始不久，居然开始了恐怖片而不是悬念片的老把戏。肥龙找郭富城去跟踪一个叫慧心的女人，留下照片和钱之后，居然站在昏暗的办公室里，呆呆站立，嘴里开始往外吐白色的呕吐物。之后的调查，打开虚掩的门发现有人上吊、上吊的人突然掉到地上；在安静的楼道里一按门铃，屋子轰然爆炸；满屋子写满了“我错了”，小孩也在作业本上不断重复的写“我错了”；做梦梦见慧心站在门外，一开门慧心突然抽刀砍来；在垃圾场打开探照灯发现自己坐在骷髅前……
这些很纯粹、很正宗的恐怖手法放在这样一部靠抽丝剥茧的悬疑片里，效果上很新奇。显然，拍恐怖片出名的彭氏兄弟还是太习惯于、精通于打造恐怖效果，导致在这些恐怖元素效果绝佳的同时，让更重要的、对案子破解的分析显得分外薄弱。也就是说，在惊悚悬念片这个类型上，《C+侦探》把惊悚放大成恐怖，让悬念变得薄弱，变得有点本末倒置。过分的恐怖结合到悬念片中，并不成功。也因此，这片子给观众的兴趣点变得不明确，观众也不知道是要将重点放在提防恐怖来袭，还是聚精会神地思考迷案破解上。
甚至，有时候为了在剪辑上有新的让情绪紧张的效果，炫技得有点过分。在郭富城去调查上吊自杀的大头明诸多情人时，其中有一个发现郭富城跟踪他，一把把郭富城拉倒了屋内，狠狠按在墙上，然后画面在钟、女人的胸脯、郭富城蠕动的喉结等等细节间有节奏地切换，加上跳切、重复细节等等技巧，并配上诡异的音效，但所用的技巧过多，反而失去了紧张感，让这段剪辑有些做作。
假如制造悬念、解决悬念的剧情编得也扎实，这部电影或许还不会被恐怖元素搅了局。但是，这个故事编织得还是不严谨得很。在抽丝剥茧的调查中，案件的几个核心人物一个个或自杀或谋杀死去，直到最后郭富城被扔到垃圾堆，找到了死去已久的慧心，才了解到被怀疑为杀人犯的慧心实际上是被害的。但剧情没有像之前那样继续抽丝剥茧地去展示慧心被害的调查过程，而是在疑犯银行经理双眼人被抓住的时候，就用一段闪回把被害过程原原本本地回放出来，这让前面辛苦建立发掘的证据、细节一下没了作用。仿佛我们突然变成上帝，没有道理地就洞穿了一切。加入制造恐怖的精力多放几成到剧本上，影片会精彩许多。
郭富城的表演，和上一部《父子》类似，都是演一个看上去很猥琐的男人，属于中规中矩地完成了任务，但不算鲜明。
影片最讨厌且没用的，是那只诺基亚手机。广告并不讨厌，讨厌的地方，“NOKIA”这几个字母总是过分显眼，破坏画面观感。没用，是郭富城不论到哪里都会用这只手机拍下现场环境照片，但这也仅仅成为手机拍照功能的展示，拍下的这么多照片，除了一张在慧心家照的提示了阿探那张烧焦了的照片的拍摄地点，其余几乎没有在之后的剧情中用到，这种在悬疑片中浪费镜头的行为，简直不可救药。
此外还有两个画蛇添足的地方。一个是追车，追得完全不精彩，基本上是两辆车在街道上快速行驶的来回切换。另一个情节，是阿探父母三十年前曾经被人谋杀，年龄还小的阿探四处寻找，仍不知所踪。观众隐约知道阿探做私家侦探与此有关。父母的尸体影片最后也在那个垃圾堆里找到，仿佛有种因果报应的感觉。这个情节，悲情情绪制造不成功，也不给情节带来推动，有点多余。
影片片名《C+侦探》是私家侦探谐音，应该也是指这个侦探的水准，也就是刚刚及格的C+。不知道彭氏兄弟给电影定名的时候，是否也预测了一下电影的质量，因为从电影的整体来看，给一个C+的评分，也不算低得过分。

[C+侦探]The Detective（2007）

导演：彭顺 监制：彭氏兄弟
编剧：彭顺 彭柏成
类型：动作/悬疑 公司：银都机构有限公司 寰宇娱乐有限公司 广州市英明文化传播有限公司 国家/地区：中国香港 上映日期：2007年9月25日
主演：郭富城、廖启智、黄德斌、刘兆铭、黎耀祥、成奎安、商天娥、谷祖琳

想看婆婆

變成隻虫..

全然的Tiffiany青藍

蔡明亮的人海

滿滿的輕淡泰式畫盤

抽掉黃

緑色就成藍

掉下來的粉紅

像西瓜禮讚

淡淡

淡淡淡

輕快地說著苦惱

發麻地界於喉聲與nose音的腔調

除了腔調

我是喜歡脫離現實的尾巴的

許冠傑就是許冠傑，不論是手腳動作還是面部表情，都是那麼誇張抵死，他拍時裝戲如是，古裝戲亦然，所以這套《笑傲江湖》，只能算是古裝版的《最佳拍檔》。

徐克的令狐沖是灰諧的，但許冠傑的灰諧卻有點勉強，近乎爛gag，例如電影開頭在被人重重包圍林家的客房，許冠傑突然（胡亂地）彈琴高歌（樂器是二胡嗎？），身旁的葉童問他幹麼，他竟然回答：「欸，而家風頭火勢，我地要扮下歌舞昇平丫嘛……」

最近一本講徐克電影的書，轉載了電影上畫後的評論，說：「這部《笑傲江湖》既有胡金銓古撲的浪漫風格，使造型具有中國古代木刻白描人物畫的意趣，又有徐克式的天馬行空、迅速流暢的武打設計和角度多變的鏡頭和剪接，可謂寫實與想像並行，視覺上有一種瀟灑的美感。」（竇欣平著，《劍嘯江湖──徐克的世界》，〔北京：中國電視廣播出版社，2007〕，頁122）

這段評論，如果用在《笑傲江湖II》身上，肯定更更貼切。或者應該說，它提到的「浪漫」、「天馬行空」、「迅速流暢的武打設計」、「角度多變的鏡頭和剪接」，以至「視覺上的瀟灑美﹞，在第二集統統強化地到一個難以想像的地步。

許冠傑雖然演出平平，但他確實也貫徹了令狐沖的瀟灑，不像第二集的李連杰，誤以為自己和東方不敗上了床後，立即垂頭喪氣──當然，李連杰演技本身沒有問題，垂頭喪氣只是因應劇情需要。

延伸：
《笑傲江湖II》──哀歌東方不敗

小時候看過一回徐克的《東方不敗》，感覺很怪異：東方不敗不是男兒身來麼？為何變成如此美艷的林青霞？再者，就算他自宮了，也是個半男不女的人妖呀，李連杰/令狐沖可以和他關係曖曖昧昧麼？這些疑團伴隨着我長大，到最近，我決心要把它們統統解決掉，就是重看一次《東方不敗》。看罷，我心境豁然清澄開來。

東方不敗仍然是東方不敗，他像原著一樣自宮了，也像原著一樣愛上男子，但原著的戀人是楊蓮亭，電影卻變成令狐沖。如此詭異的劇情如何變成可能？就是靠導演、編劇製造的「巧合」──令狐沖機緣巧合下遇見東方不敗，但他看到的不是陰陽怪氣的人妖，而是一位窈窕淑女，這樣一個開頭，打後一切也自然順理成章。

要扔走針對同性戀的有色眼鏡，你才能完全投入徐克所建構的世界，體會他的感受，徐克要林青霞來演東方不敗，不正是這種意味？一無所知的令孤沖，對林青霞心生愛慕；林青霞明白自己是男兒身，偏偏享受被令狐沖當作纖纖弱質來細細呵護，一段模模朧朧、不清不楚的感情線，由此展開。

有一幕，令狐沖把林青霞「救走」，兩人走到懸崖上稍事歇息。令狐沖看着月光，唸唸有詞：「皇圖霸業笑談中，不勝人生一場醉」，坐在地上的林青霞，仰望令狐沖的臉，然後情不自禁挽着他的手，兩人沒再說話，卻已勝過千言萬語。

結局是林青霞死在令狐沖手上。

導演：周美玲
編劇：周美玲
演員：梁洛施、楊丞琳
年份：2007

最初對此片頗有期望，畢竟它在第五十六屆柏林影展中獲得泰迪熊最佳影片大獎，對它的質素有一定的期待。可是，在早前看過它的宣傳影片之後，感覺卻覺得很糟,完全令人覺得是一套劣質的電影。

看畢之後，基於對電影已無甚期望，表現可說是不過不失。導演導技一般，拍攝水準一般，演員表現一般，燈光配樂一般，總而言之就是一套「非常一般」的電影。

電影最大的問題在於其拍攝出來的時代感問題，不論是導演手法、拍攝、美術方面感覺都像是十年前的電影。電影用上了年輕一代的偶像演員，加上題材有關於網上的色情聊天室，這些都是現代感十足的元素，可是導演在很多地方的表現只有如老一代的電影表現一樣，最令人覺得難受的相信是用「劣等」電腦特技造出來覆蓋著整個大銀幕的曼朱沙華花朵及被斬去雙手的小滑頭的畫面，相信十年前的電影亦已經不會用上如此質素的特技。另外，不知道那美術指導是在幹甚麼，不論是髮型、衣飾都極其難受。楊丞琳身上品味極差的衣服；梁洛施的就更不堪，不知所謂的造型，最敗北的是她手臂上的刺青，全無美感可言，可說是有點令人倒胃。

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前幾天，我問爸爸，我信佛教好嗎?由於平時說話懶洋洋不正經，爸爸聽了也不以為意。說，信吧!反而媽媽好奇心發，說了句，讀了九年基督教，還以為你會信耶穌呢?
這倒是!我竟然忘記了衪。

對於這個「衪」，我有點疑問。電影《Dogma》裡的上帝是一個幼稚的女人。也是自私的。她在清理殺戮現場，撫摸了耶穌的唯一後代後，走到前花園看花﹑玩倒豎衝。正確一點說，這是愛玩﹑有童心﹑有人性。看見所有人敬仰的衪,竟然是「她」。女權份子心裡應該坦率,起碼反對這電影的聲音就少了一大堆。可是，要注意，電影裡的對白還有一句: 「他可以是任何形態。」偷偷的歡喜,真的偷不長。

天使也會墮落，那魔鬼是什麼？我想是人的支配者。電影裡三個橫衝直撞的少年,就是受他的支配。有一點很有趣，DOGMA裡清白的都是女人,上帝﹑女主角﹑會議上唯一存活的女董事。這不是巧合吧！中國的導演就是拍不出這樣的電影，女人是什麼，成不了大奸大壞，至少也得胡塗一下皇帝，「紅顏禍水」這詞一套，什麼都一清二楚了。或許要說的現代一點：許鞍華版< <傾城之戀>>，我想應該是傾城之亂。女人亂套了，男人也遷就了事，當然那時候是世界大亂。更正是香港，眼光狹窄把香港看成世界了。白流蘇的懦弱真的把人氣昏。小說裡尖酸的，哭鬧大笑，一步一步掌握著自己的命運和幸福的「金大班」；「他對她說的那些話，她一句也不相信。她看得出他是對女人說慣了謊的，她不能不當心——她是個六親無靠的人,她只有她自己了。」頭腦清晰,方向定位準確。影像一投射，竟然走型了，往裡靠，往裡靠，無辜的成了被控者，哎呀!!不能不偷一下張愛玲「從齒縫裡迸出一聲拖長的『Ｅｅｅｅｅｅ！』」離題萬丈，也只是想說這電影就是中國人對女性的定型，沉重的自卑感。

軟硬天使不能重回天堂，墮落殺人。我們的祈禱原來有個上帝的代言人在聽，上帝太忙，能力太強。電影拿上帝開玩笑，無傷大雅；人的信仰能堅持多久？每次聽學校的傳道人說他們親身的經歷都是Ｓｔｅｐ１遇上困難，Ｓｔｅｐ２上帝拯救，Ｓｔｅｐ３信主啊。這些步驟跟下雨了，收衣服的定律一樣，反過來就有點彆扭。不能不相信上帝的存在啊！「在我祈禱之後，衪的聖恩降臨了。」的確，很少人念佛的同時也祈禱，「真係邪！」萬一，我說萬一佛光和聖恩晃的一聲同時閃現，我不就成了騎牆派。

同學的密友是全校最靚仔的。那位英國人不只是靚仔，人又好，又做過很多「大事」。同學說得眉飛色舞。聽得人耳癢癢，心裡頭除了羨慕，還想起邁克。前幾天看他的專欄，看到「逢男必美」的笑話，實心眼一拉，把同學也無辜的歸類成「失控高呼」的一群。這真是罪過！

人人都說李孝全靚仔，是吳彥祖第二。看了他的《盛夏光年》，我不以為然。這只好黯然自己天生臉相觸覺遲鈍，且慢，歸類是不健康的，我這話只是對於男人而言，萬萬不可算在女人頭上。美女我是看了眼光光的：大臉的﹑小臉的，無所不包。現在流行「臉大沒戲」的壞習慣，受了點點屏障所隔，上不了我的眼睫前線。說到這一點似乎應該沾沾自喜。起碼林青霞不是廣末涼子的小臉。

那麼，《戀愛夢遊中》的男主角算「靚仔」嗎? 戲裡的他毫不客氣的搶走一個「仔」字。正字正確風氣追趕政治正確，做個跟風的人，一查字典卻發現「仔」：幼小的(多指家畜)。差點闖禍，然而，男主角的行為多少帶點雞鴨鵝的可愛。「仔」字就遷就用一下吧! Stephen的小童氣，活在香港理所當然要倫街症。「他有精神病吧!」看完戲，偷聽別人的話，某某某都是這樣說的。當然語氣給我輕輕修改了。他有病嗎？細心一想，「大家都有病」裡的病症都沒有在他身上顯露痕跡。他只是天天在作夢，只有一次背上小偷嫌疑，偷偷爬進Stephanie的家裡﹔只有一次不穿衣服跑出家門，只是家門還沒有到樓下去。相比這些雞毛蒜皮的「只有一次」，他的功績是大磚大磚的榻下來的。他的月曆設計風格十足，雖然自我推銷技巧略嫌花巧和戲未過濃﹔發明屢創新招，逗得女友眉開眼笑，雖然未能市場導向，貨品推出後能否大賣，也是心中有數。

怎麼說呢？單純的「夢中人」是有權利長不大的。懶理外面世界在轉，他要八歲就死賴也不活在九歲。聽得不耐煩嗎？大人有大量，想想你家的小孩，看看「有樣學樣」的大頭相貼滿街頭巷尾，再回頭看看Stephen的臉。你要說一句「靚仔」還是牙牙學語，母性大發呢？

原著與改編

前言：

昨天的長文，終於完結了。但一如KURSK兄的留言，港人似乎仍然沉醉於無間世界當中。

這個世界上，至少有二百件事比 徐步高案:死因庭續研訊梁成恩被殺案 更值得討論，但可惜的是報章

頭條摘要 所選取的角度幾乎都是梁成恩如何因對調吃飯時間而成為「替死鬼」！！！

難道這就是香港？？？

內文：

本來珠玉在前，我也不好意思再寫更多有關「原著與改編」的理論，詳閱

http://www.xanga.com/chiuchiulung/573530629/item.html

但一想到徐步高案審結後，部分愛好投機的香港電影製作人務必空群而出將故事大拍特拍，我又按捺不住要「先下手為強」。

事實上，奇案片向來都是香港電影界的一路奇兵，其中最著名的莫過於今年電影節焦點導演邱禮濤夥拍金像影帝黃秋生的《八仙飯店之人肉叉燒飽》。

只可惜，香港絕大部分奇案片的作者並沒有對那些奇案及案中的主角作出具有深度的分析。反之，為了製造煽情的效果，他們均習慣剝削故事中的主人公，及當中的（性）暴力內容。

簡而言之，香港的所謂奇案片，充其量只是一些以噱頭為賣點的再創作。

就我記憶所及，我沒有看過一部認真地分析犯罪心理，或含嚴謹資料搜集的港產奇案片，更遑論從中反思人性醜惡／善良的作品。

當然，我不能要求導演們重組整個犯罪過程，這是警方和紀錄片作者的份內事，但可不可以不要只懂加入個人的惡念和性幻想充撐全片呢？難道認真地分析一下心理便不能賣座嗎？

誠然，當我們嘗試概括這個奇怪的現象的時候，不難發現，問題其實不單源自那些不學無術的電影製作人──事實是，以文化人自居的本地作家甚少會認真地以那些奇案作為書籍素材。

於是，製作人要不自行作資料搜集，要不沿用坊間以「煽色腥」為大方向的「報刊」。

「源於生活，高於生活」是戲劇的基本要求，可惜我們的電影製作人比較喜歡爬糞，而在高雅／低俗二元對立的香港，我們沒有沉默的羔羊，只有赤裸羔羊。

朴贊郁這次一改暴力美學，真實對立的手法，轉回大玩典型偶像派愛情清新故事，外觀是偶像派，但仍然隱含著傳統朴贊郁的特質，不過此戲比過往朴贊郁的經典電影其實是有點褪色，此終愛情片，還是較比郭在容罷。

電影是描寫一對精神病患者的感情世界，敘述病人與正常世界的感觀對立與不同形式的刺激，講述他們所希望的內心感受，朴贊郁向來的電影都是描寫人性的心態，其實今次仍然沒有例外，依然保持寫人性的特質，病患人同樣有其生活，有其思想，也有其感情世界，男女主角如何相愛與相處，其實也就是人與人之間相處之道，並不一定只局限於精神病患者。

不過這次編劇是有點問題，而敘事手法也較為鬆散，並不是連貫，而且缺乏戲中的高潮點，所以並不是朴導演的佳作，若把朴導演轉戲路，這次愛情路線只能算是勉強過關，要成經典愛情片仍有一段距離。

不過此戲在描述精神病患者卻比過往的電影多了一點幽默和歡笑，戲中精神病院的人物都是善良與可愛，與「親切的金子」監獄有強烈的對比。病人的行為雖有點無厘頭，亦有著一種不合常規的意圖，企圖表達病院的事實情況，但是否與真實的病院一樣，則難以猜度。雖然「再」片是走愛情路線，但內裡仍然存有暴力美學，那是女主角的「手槍」場面，每每感到這才是真正的朴贊郁應有的表現與功力。

男主角rain演得頗得觀眾歡心，第一套電影已算有交待，戲中仍然是賣其俊朗外型與身型，亦大賣其肌肉，而他並不是真正電影中的主角，因為女角「再造人」才是主角，林秀晶演技是很獨到，她能表現出一個被內心以及過往周圍環境抑壓的病患者，當然其外形化裝已記一功，但一些表情與動作，都頗有戲味。她外形頗像周迅與台灣女星細S。而電影沒有賣其樣子，但見實際她是頗有氣質的女演員。

朴贊郁放棄原罪，找出愛情，但得到的結果是頗未到家，有待改進。他期望拍一出另一種觀點的飛越瘋人院的電影，企圖是很大，亦算有心。只是在編劇方面較碎而不緊密。

不過此戲的拍攝手法和配樂則是全戲中最為欣賞的部份，朴贊郁在上次親切的金子己開始運用大量的電腦美學來配合戲中的內容，這次仍然保持一貫風格，當中機械人設計都很美，而電影的歌曲與配樂亦有不俗的水準，韓國近年電影篷勃，能夠吸引觀眾，當中在拍攝和配樂是不可多得的一環，當然這是與電影的成本成正比的，因為電腦影效成本與找高水準配樂師並不是便宜貨，港產電影近年低成本與快速起貨，根本是很難做到這個地步，只見近期「姨媽的後現代生」有此特性，但都是因為有內地雄厚資金才能成事。

後記:此戲在百老匯電影中心看，當晚頗爆滿，大部份都是鄭智薰Rain的粉絲，隔鄰的觀眾所持有的手機更是以Rain作wallpaper，每每阿rain的可愛招牌笑容以及一此阿rain的笑料(其實不是真的很好笑)，但不少女觀眾已經如痴如醉地笑。可見其魅力如此厲害。